domingo, 28 de noviembre de 2010

pop art y la serigrafía


Fueron los pintores del POP Art y del OP Art norteamericanos los que integraron la vanguardia artística de los años 60. Ellos crearon gran parte de sus obras para realizarlas mediante la serigrafía, convirtiendo los originales serigráficos en una nueva forma de expresión.
La serigrafía es una técnica de impresión y reproducción de documentos e imágenes sobre casi cualquier material. Consiste en transferir una tinta a través de una gasa tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta. Una vez que el primer modelo se ha logrado se puede repetir cientos de veces sin perder definición. La diferencia fundamental de la serigrafía respecto a otras técnicas de estampación, es que tanto en las técnicas de grabado en plano como en las de grabado en hueco o en la litografía, la imagen se transfiere por presión, mientras que aquí se genera a través de una pantalla por filtración.

Esta diferencia explica la distinta cantidad de tinta depositada sobre el papel en uno y otros procedimientos y permite entender porqué las superficies de color son tan compactas, sólidas y homogéneas en las serigrafías. Aunque la serigrafía se conoce desde antiguo en las culturas orientales y su invención como técnica de grabado es de principios del siglo XX, la utilización masiva se produce en la década de los años sesenta, cuando los artistas más representativos del arte Pop americano reivindicaron este procedimiento, quizás porque se adaptaba perfectamente a su imaginería de consumo arrancada a la cultura popular a través de los medios de masas.

IMPRESIONISMO Y ÓLEO



El Impresionismo Es un movimiento artístico del siglo XIX. Los impresionistas tenían una forma muy libre tanto en la composición, el dibujo y la perspectiva, intentando captar la esencia de un momento particular. Los artistas preferían pintar al aire libre intentando plasmar y no representar la luz y el color de la naturaleza.
A menudo utilizaban colores primarios y pequeñas pinceladas intentando simular la incidencia de la misma luz. Entre los artistas destacamos Claude Monet, Edgar Dégas, Camille Pissarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley, y en un impresionismo tardío a: Cezanne, Gauguin, Van Gogh, Degas, Tolouse Lautrec.

El movimiento toma su nombre de un cuadro de Monet titulado: "IMPRESIÓN" que representa un sol naciente, es por ello que la afirmación de todos los impresionistas es la de provocar una impresión, dentro de la simulación de la realidad. Esta corriente trata de rescatar las técnicas de los grandes maestros de las escuelas anteriores, inclinándolos a comprender y ejecutar no la realidad misma sino la impresión que esta produce. Con esto se intentó liberar al artista del riguroso racionalismo del siglo anterior.
Es una reacción contra la frialdad académica y el sentimentalismo romántico, es un tipo de realismo que se esfuerza por traducir la visión inmediata del artista despojada de virtuosismos, busca destacar el carácter del ser o del paisaje. A la evolución del impresionismo lograda por Cezanne se le conoce como Neoimpresionismo. Algunas de las características de esta corriente son por ejemplo, la extraordinaria atención al uso de la luz, ya que su teoría supone que el color de un objeto depende ante todo de la manera en que la recibe, de su intensidad y de la refracción de los tonos vecinos. En lugar de mezclar los colores primarios en la paleta los ponían yuxtapuestos sobre la tela, trabajando con golpes de pincel, sin detalles ni contornos precisos, los temas eran de preferencia una emotiva evocación de la vida contemporánea.

BIENVENIDA


Damos la bienvenida a todos los participantes de este nuevo blog.


Relacionar la Historia del Arte y la Técnica es una manera muy sencilla de aprender y de practicar el Arte.
En este Blog discutiremos los distintos ejercicios que realizaremos, analizando las distintas fuentes y las distintas técnicas artísticas.
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